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用声音的力量,缔造艺术画面的美

2012-07-20 14:12:58 来源:电器沙龙资讯网 浏览:54

        用声音的力量,缔造艺术画面的美

――――访中国国家话剧院舞美设计制作中心音响设计师周涛 

文/Ada

编前语:

    在音箱设备发展向迅猛的今天,我们在追求经济利益最大的同时不忘对艺术的追求。在音箱设备行业里,高中低端,来势汹汹。然而,我们身在其中的周涛老师告诉我们,声音是可以缔造艺术画面的美感的,只是我们追求美的时候,却忘了美的真正概念。周涛老师在用声音的力量,为我们传播艺术美的画面,作为一名高素质的音效艺术设计师,用独到的、更深程度的看市场、人的心理变化,从而创造出最合适想法的、独一无二的声音。

闵捷:请您简单的介绍一下自己。

周涛:1987年进入行业,我自己在90年在赴日里面的中日文化交流的研究生。

闵:简单介绍一下戏剧音响行业的信息。

周涛:为什么在整体音响中,在整个国家评论中,只有戏剧音响有音响设计,而其他的如歌舞、演唱会不设有音响设计,那是因为戏剧音响本身对戏剧的从业人有很高的要求,其必须具备有感超强艺术,还有更高要求的就是艺术的设计能力。

所谓的设计能力,它并不是我们传统所说中最基本的音色和生产均衡,其中最重要的一点就是,在拿到的剧本和素材中,要虚拟剧情所牵涉到的心理、生活环境和具备有对剧情情绪节奏要有推进和渲染的作用。所以这个行业有音响设计而别的没有。

闵:戏剧圈的具体说法是什么?作为一个戏剧的音响设计师他必须具备的条件是什么?

周涛:戏剧圈主要指的是话剧和歌剧,歌剧所占的比例不大,最为重要还是话剧,话剧所外延出来的就是影视作品,两者间的联系是比较紧密的,话剧就如影视作品的营销设计师。

作为一个戏剧的音响设计师他必须具备的条件有,一个是他的一个基础的变声技术,就是我们所说的调音技术,这是一项最基本的功能和素质;还有一个就是对生产、声学、建筑声学要有一定的了解;再者就是艺术品质,所谓的艺术品质就是一个人对艺术的看法,个人主观的对这个艺术作品进行评价和你如何用音效、音乐的手法去对整个戏剧戏目进行设计,在选择什么样的音乐和运用什么样的音效将这个环节做好,只有完成以上所要考虑的问题才能保证将戏剧作品进行推进和融合。戏剧音响他是属于一个比较杂的项目,但是要求是非常高的。

闵:音响师和音响设计之间存在的区别主要体现在哪里?

周涛:音响设计这个行业是个分工很细的行业,在专业扩声领域里也可以叫音响设计,在一个场地里面要挂多少个音箱,如何将他铺的很均匀,这个是叫音响工程设计,而非音响艺术设计。对音响设计师来说,他必须会工程设计的前提还要会音响艺术设计。对于音响设计师来说,关注电声技术和新技术是这个行业最基本的条件,我们是通过技术去展示我们项目工程,而为之重要的是展现手段,这作为一个专业的音响艺术设计师是不能丢掉的,因为我们的展现手段就是我们的技术。

还有一个所不能忘的就是,自我修养和学习。比如说我们会把世界的影视作品进行分类,可分为A、B、C类,那么A类就是指欧美或者专门之欧洲的话剧作品。个人认为欧洲的作品要比美国的好,至少在艺术角度上是这样的。因为欧洲是古典哲学和各种具有代表性思想的发源地,并且拥有很多大型的歌剧、话剧作品,大量的著作如莎士比亚、歌德、希勒和音乐流派也是在欧洲引流的。如果说直指人心的、展现很多缺陷或者说有震撼性的作品,在思想的内涵性来说我觉得还是欧洲的作品。欧洲的近代作品有米兰昆多拉,美洲的基本上是空白的,有也没有米兰昆多拉那么的深刻,欧洲在中世纪的欧洲哲学文艺复兴集中的一大批优秀的哲学人才或者艺术人才几乎都是在欧洲。但是,一些金属派、摇滚派都是黑人引发的,但是美国他的文化底子强,做现代商业影视作品做得很好。其次,美洲作品分为B类,亚洲和非洲作品归为C类,B和C这些都是在尽量的模仿但是还是存在相当大的差距的。这些作品固然存在很深的思想性,但是在制作工艺和表现手段来说,还是处于初级阶段。主要体现在:第一,我们的能力不够;第二,我们的技术达不到;第三,我们的资金受到限制。

在模仿领域来说,亚洲地区中日本的模仿是最高境界的,对戏剧音响设计师来说最基本要求是要博采众长,经常要看片,要看一些新出的书籍,因为新的思头就会产生一个新的表现手段,如果没有新的概念就没有新的表现手段。这鞋概念可能是在某一本书里或者某一个作品突然迸发出来的灵感,然后将灵机想到的表现手段或是概念复制到舞台上。而在戏剧音响设计中还有一个很重要的就是每戏一格,每个导演导一部戏,都有一个特定的风格。比如说国内有一部作品《亮剑》的,这个表现手段和后面所出的作品就不太一样,他特指了一个叫亮剑精神。还有《潜伏》,这也是跟其他间谍作品都是不一样的了。每一个作品都要有属于自己特有的核心东西所在,你所运用什么样的风格手段去展现的问题。

闵:在戏剧制作中,我们不能局限自己所喜欢的东西或是现在布局,我们怎样才能使戏剧效果达到最大化呢?主要的展现手段又是集中在哪些方面?

周涛:展现手段,只要指技术手段和艺术表示手段。这个属于比较模糊的概念,艺术手段在今天是比较透明的,如5.1、6.1、8.1。音箱的品质再好,挂得再怎均匀,那么它出来的东西都是比较平面的声音,比如说挂两枚,更高点的挂三枚,而我们把能听到的声音分为平面声音、点声学和立体声学这几个集中点,但是这集中点跟戏剧的展现有关系吗?有,但是并不是取决定性作用的。那么,我们要聊的技术是什么呢?我们要突破的瓶颈是,每年文化部都有科技项目让我们提供你想怎么样,你想在音响上面有什么提供,你有什么好的突破。我们都觉得特别的麻烦和头疼,因为我们在纯技术上面觉得遇到了瓶颈,我们该有的技术手段都有了,但是该怎么使用呢?一部喜剧的声音不能全是平面状态、立体声状态或是毛诺状态的,专业观众会感到听觉疲劳的,而且对你所要表现的东西是没有实际意义的。

闵:如何将技术和艺术相结合?

周涛:我们看得到的一些大片会在某个恰到的、必须的画面的时候有一个总动,这个就存在了一个技术上的画龙点睛的作用。我们不能整个片子的表现手段都是一个方法,如果都是一个方法的话观众的眼睛就会感到视觉疲劳,就好比如这个时候舞台的灯光,不管再怎么亮看起来也是不够亮的,为作为正常的灯光效果体现里,都是有明有暗作为对比的。在非正常的画面需求时,使用不一样的表现手段,这使用的频率是不大的,而将如何使用这个能达到画龙点睛的效果的表现手段,这也是现在所要市场上所面临的困境。对于做设计的来说,求多不如求少。喜欢把整场的内容都融入到了作品,如此重复下来终究会发现乏味,观众的关注度也不高,会使观众对作品所要表达的东西模糊了。所以,在表达的技术上面要在简单中带着一些繁琐,要高集画龙点睛,从简单到高级化进步,功能要更强大,表现能力要更好。

一个导演,当他拿到剧本之后他首要考虑的问题就是作品的表现手段,是选择现实题材的表现方式还是选择超现实题材表现方法。他会给你提出一个想法,但是这个想法只能算是概念的、是抽象的,具体的都是需要我们来完善的。如果一部作品是成熟的作品,那么在这一年半载里还是觉得这个作品的想法是好的,短期内是没有更好的想法去超越。

在很多时候我会选择音乐加入到戏目里面去,音乐与特定音效的表现形式是不一样的,我用统一的音乐风格来表达一种特定的氛围。在现在的行业里,制作大的电影剧组中都会有个作曲的项目,我们所做的电影音乐都必须是原创的,不然中间就会牵扯出盗版的问题。

闵:每个人的追求都是永无止境,我们要怎样将正的音效技术提炼直至您所表述的艺术境界中去呢?

   有很多人认为,我们所需要的声音是能通过自然环境进行录取使用的,但是这并非真正是声音的艺术,如果说我们需要的是一辆火车驶过的声音或是马路上各种的噪音,这些现有的东西是可以采录的,但是如果需要的是一个动物撕咬人的声音、一个僵尸出现的声音,或是动物在准备攻击磨爪子的时候的声音,甚至是要砸钢琴的背景音乐。现场所需要的这些声音是要配合画面的,而这种声音都是要靠虚拟出来,这对每个戏剧音效设计师来说这是个挑战。戏剧音响设计师要有一些非现实题材,脑中要有一个声音库。

艺术是没有国界的,无论是音乐、音效都是统称为声音。音效是有音阶的,存在感情色彩的,代有情绪的,只是我们没有把这些因子组合起来。实际上,我们把声音组合出来,这属于自然界中的一个伟大篇章。我们都知道贝多芬的悲酒音乐,那是一种带有无限冲击的力量。其实在自然界中,我们都有感受到这种悲怆或者像是“命运交响曲”的那种强大冲击力,在海边、山间、在一场战争中听到的炮火声,一样的能感受到比音乐来得更直接、更宏大的声音,只是我们忽略掉了这些素材是可以凝聚起来,我们没有想到这实际上就是自然界上的一个乐章。在个人创作中更重要的就是画面的收集,在做一个作品的时候,当我拿到了剧本后通常是连读上三遍,然后将整个故事情节相互连贯起来。在这个动作不断重复的同时,就会促使无数种想法出来,然后将所有的思维线索整理成系统化,再者将我所买回来的音乐盘进行重复听取,在不停的聆听中提炼出属于自己的风格作品,在作品的创作中,我所关注的侧重于人的心理上的,我是用声音画画的。

闵捷:现代的音响从业人员的素质要求,整体的音响发展趋势?

周涛:我觉得我们的国内从业人员不管是现代从业人员或是老一代的从业人员,基本上都是手控技术,数字化控制只是单独的数字化控制,并没有将数字化控制连到所有部门系列性问题上,在某些操作工序若是出现断裂的时候,这个作品的质量是没有保障的。

针对很多行业上问题,我个人现在也在研究整理系统化技术项目,这是一个音响数字化、灯光数字化、舞美数字化、影视科技技术数字化,这将建立一个控制中心,将所要调控的都程序化。在技术上面的难度并不大,灯光和音响连接这是没有问题的,音响触发视频播放器这也是没有问题的,关键是演员的变化如何触发光和声音的变化、舞台远近触发变化的问题,演员的变化灯光的变化如何触发舞台布景之间的变化,将全局一体相融合,将柔和一些技术人才进行智能控制。

闵:如果出现了操控程序化、一体化,行业会不会出现技术人员失业问题?

周涛:这个项目是不存在淘汰舞美灯光从业人员的,只能够说将舞美灯光音响的技术提上了一个更高的档次。人是有思想意识的,不管科技多发达都是人类所研发的,系统功能存在的画面技术都是一些历史性贮存,是人类将画面输入到系统科技里面去的。设计师的人文因素是不可替代的,这是因为人的品位有所不同,同一个人在不同的阶段上品位也是有很大的区别的。同样一种声音,在机器里面他是属于标准化的,他不可能理解人的情绪思想的。所以你说担心的问题是不存在的。这只会让行业的分工越来越精细,把每个专业精细的技术整合起来融合到数字化一体化的操作格式,保障系统的完善性,环节上的问题更为智能化。任何一个复杂的系统要比一个简单的系统需要的专业人才多。

闵捷:当您所创作出来的音效会不会有遭到否决的,在电影和戏剧中所需的音效差异在于哪里?

周涛:导演是二度创作的,受整个剧中风格制约很大,个人的展现了是很有限的。但有一个好的想法不不是什么不好的事情,虽然这期用不上但是下期也是有可能用上的。一个好的作品就只有一个最合适的想法,也许想法会有九个,但是最合适的也只有一个。我们应该客观的对待这个剧组的创作人员,导演、演员和这个剧的风格,因为这都是独一无二的。

所说的差异,影视比戏剧有更好的、更便捷的表现手段,影视可以一个画面毫无声音的切换,观众也是能看懂的,而戏剧上没有音乐的背景进行切换画面,这时候观众就无法理解画面切换的意义。影视上的季节交替画面只需要一个画面就足够了,镜头切过来下着雪,一辆车过去了,画面切换就成功了,戏剧就是不同,就展现手法和舞美一体化来说,影视要比戏剧丰富,但是在声音的展现上,戏剧的难度要大,这会比影视作品更有味道。这是最具挑战性的,所要切换的季节变化来说是具有很大难度的,镜头一切,满台的积雪,再一切,满台的金叶子,这样所需要的技术含量就是非常的高。我们的戏剧在场景与场景之间是怎么切换的,怎么能让人觉得很舒服的切换过来了,这是一个特别难的东西。难在了场景切换要让人感觉到很舒服很自然的,要不留痕迹而且戏剧的节奏是要保障其顺畅性。

声音是第一要素,画面是给人的视觉第一冲击力这是不可否认的事实,音走画面跟着切换观众是有一定的接受程度的,但是直接切换画面声音跟着走的话观众会觉得很别扭。

闵捷:戏剧在使用音箱时其选择考虑的因素有哪些?

周涛:音箱设备发展到现在已经可以说是沉静的了,我们每个人对声音的需求是不一样的,这就是仁者见仁,智者见智了,音箱的品质也是不一样的。我们戏剧对音箱的选择是要高保真的,就是我给他什么他就要还给我什么,就是音箱的音色要中性,我并不需要美化功能,这要求音箱的高保真性很强,高清悉的还原音色。

闵捷:听说日本的音箱技术力量是很大的,你在这方面有什么看法?

周涛:日本的国立剧院,他们的设备全部换成了D&B,我觉得日本人民族技术特别好,比如说一个猫的叫声,他们特别能感动我的是他们的技术力量很强大,当然这些做法让我很不舒服,让我不舒服的地方就是为了让猫的叫声由人控制,将猫的声带割断后在猫的屁股植了一个发声器,需要猫叫的时候按一下,不需要猫声音,猫就永远不会出声。我觉得这个很残忍,但是对于这个相对的问题来说,我只能够说日本人的职业化太强了,这让所有的日本人明白一个道理就是,不管是在做什么,不是一个单一的技术就能做到的,一定是综合的技术能力。这是我们中国人所不能做到的,而且我们也不能这么做。

    日本的从业人员素质比较高,四年的专业音响毕业,毕业后一个单位做音响师,他们是没有资格控制舞台的。要想做到音效设计师必须要到欧洲瑞典或挪威进修四到八年的时间。他们的从业人员每年考一次试,保障了从业人员的专业性。他们的专业化程度很高,而非泛,在分工上面分得特别细。

闵捷:声音在传输的时候能不能做成一个均衡的音带传输?

周涛:声音要比光难控制,光是看的见的,在过程中人是有感觉的,光要比声音传播得快,是更为直接的一个模式,在真空里面是没有声音的,声音是靠空气质量来传输的,在空气中会有损耗的,如果做成音带的话就需要保持声音能量是均衡的。这个处理起来的是比较困难的。

    相对来说,演唱会跟音乐会就是平面的,主题鲜明,没有情节的。画面是比较单一的,而戏剧是立体的,戏剧音响讲究的立体感是非常强烈的,是需要用声音来填补画面上面的不足。人的想象力是有外延的,而且是虚拟的想象力,而人就是自身生理的美学概念和美学研究,每个人的指标都是不一样的。美学概念就是由浅到深的的逐步渗透,这就是人类潜在的虚幻的美学概念。所有的创作都是建立在一个人的虚幻的美学概念上的,什么样的音乐能迸发出人类内心对美的追求,这是我们所要追求的。

闵捷:我们国家的演唱或是戏剧演唱和国际上存在的差距只要在哪里?

周涛:这个是涉及到一个民族产业的问题,因为习惯性、趋向性,先进入我国行业的是GPL,然后到百威,后来就是美国音箱。这些音箱都有一个特点就是对人的声音有高保真的特性,最为关键的就是中性平台,兼容性大,适合各种各样的演唱、戏剧制作的使用。其基本通融了国际语音的清晰度和音乐的展现能力,这是国产音响所达不到的,国内产出音响主要趋向于外观,在生产技术上强调模仿性,第三就是趋向于自身民族产业量。我们没有像国外的音响生产系统,而导致了同样一个单元的素材,但是做出来的音箱效果要比国外的差。

    我国音箱行业现在是处于一个高端的盗版阶段,现在市场上我们都在追求利益最大化,国际上推出的一款新产品,国内的人首先研发的不是产品是怎么做出来的、技术概念、核心技术在那里的,而是将新的产品拆掉用尺子量度后进行模仿生产制作,然后将其对外销售,从中实现利益最大化的经济模式。中国人普遍存在一个意识就是,以其花费太多的时间精力去研制技术产品还不如我高仿别人的产品然后卖出来得实际。这就导致了整个中国市场上的音响设备的科技含量相当低,都是仿品。盗版是可以有,但是作为一个民族来说,自主研发的产品也是必不可少的,音箱的核心内容是在功放,这个要研发是很难的,盗版存在的也是音箱外形的。

闵捷:对于上述的种种问题,您觉得中国市场该怎么面对基本行情,对国内音箱企业有什么建议吗?

周涛:对国内音箱的企业建议就是,希望企业在生产制作的过程中高仿国际产品的不仅仅是一些表面的东西,而更应加大模仿大国际大公司的企业文化、企业思想、企业的核心技术。希望在有相当实力的国内产家能沉得住气用心来研发一些新的核心技术,只是一个民族产业自救的必备之路,如果我们没有属于自己的产品技术我们就永远属于境外的二手加工市场。如果做高仿,二维加工的希望不要简配,要原汁原味的做出来,这对我们自身的工艺也是提高。

结束语:通过采访,我们明白美不仅仅是画面视觉的效果,我们知道了音效在戏剧制作中的重中之重的地位,不可或缺的灵魂之音。我们也知道,在属于真正的民族产业复兴之路中,我们要讲究的原创。在技术力量的创造中,我们要向力量雄厚的民族学习。

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